“Storm” (trad. dal inglese “Tempesta”): Verso “una nuova forma di qualcosa teoricamente già noto”.

Denis Maksimov dialoga con Paweł Sakowicz

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La coreografia e la danza di Paweł Sakowicz esemplificano il linguaggio del corpo. Il suo nuovo lavoro, “Storm”, è presentato nell’ambito di “Memories of Water, Memories of Art”, evento organizzato e curato dalla fondatrice di Arts Territory, Kasia Sobucka, nello splendore barocco di Palazzo Contarini Polignac a Venezia il 27 e 28 giugno. Prendendo spunto dallo stato di permacrisi diffusa in cui tutti ci troviamo, il programma riflette sull’idea di un “ambiente inalterato – esaminando ciò che è andato perduto, ciò che può ancora essere recuperato”. La pratica artistica corporea di Sakowicz tocca la sincerità dei gesti fisici. In un mondo saturo di immagini inautentiche e di una retorica logografica che crea significato attraverso il bombardamento di stimoli e media generati istantaneamente, può l’atto performativo rappresentare una visione cruda e onesta della realtà?

Denis: Qual è stata la scintilla o l’ispirazione iniziale dietro “Storm”? Come hai concettualizzato l’interazione tra desiderio, autoriflessione e corpo in questo lavoro?

Paweł: L’invito è arrivato da Edgaras Gerasimovičius e dai Post Brothers, i curatori della mostra al Palazzo Sapieha di Vilnius. Mi hanno suggerito di lavorare a un’opera singola  che dialogasse con il tema della mostra, il quale analizza lo status del corpo nella storia dell’animazione. Mi sono chiesto come costruire una performance di movimento che non dovesse, come l’animazione, costruire l’illusione del movimento, perché in fin dei conti tutto è movimento.

Tuttavia, ero interessato alla tecnica di animazione dello “spezzare le articolazioni”, che presuppone la necessità di enfatizzare o deviare un certo movimento per renderlo naturale. Da lì, sono stato condotto verso i fianchi, una delle mie zone preferite del corpo umano. Ho praticato ballo liscio per circa dieci anni quando ero adolescente, trascorrendo ore ogni giorno a perfezionare il movimento dei fianchi, la loro rotazione e le capacità motorie. Culturalmente, i fianchi sono un simbolo di vitalità, sessualità e seduzione: era un’area entusiasmante da esplorare.

D: La performance è descritta come “incentrata sul corpo come luogo di seduzione”. Cosa significa per te la seduzione nel contesto della coreografia e della performance?

La seduzione è insita nella situazione scenica. È una possibile strategia per stabilire una relazione o un patto con il pubblico. Per me, il corpo può sedurre in diversi modi: può attingere a una riserva di stili di danza che si collegano apertamente al tema del desiderio, come i balli di gruppo o le danze erotiche. Tuttavia, ciò che più esprime il desiderio sono gli occhi: chi guarda e come guarda, quando l’artista distoglie lo sguardo, quando lo sguardo del pubblico è timido. Nel caso di “Storm”, non stabilisco un contatto visivo con il pubblico, ma guardo dentro di me. Sto seducendo il mio corpo, ricordandomi come funziona e quali immagini può produrre. Seduco i miei fianchi, che ruotano, tremano e si bloccano al momento giusto o deliberatamente inappropriato. Rifletto su quali linee e posizioni del corpo potrebbero essere associate all’erotismo nell’arte dell’animazione, ma anche nell’epoca d’oro di Hollywood.

D: Come vedi il rapporto tra controllo e abbandono, forza ed esposizione, che si sviluppa in “Storm”?

Ero interessato alla duplice natura dei fianchi, o più in generale del centro del corpo. Da un lato, tengono in equilibrio l’intero scheletro e, dall’altro, consentono l’espressione dinamica del movimento. È anche per questo che nel costume sapientemente disegnato da Elena Marija Veleckaitė sono presenti sia ossa che muscoli. Per me, cercare posizioni estreme, con i fianchi spinti verso l’esterno in diverse direzioni e poi tirati di nuovo verso l’interno, è stata una vera sfida. La lenta rotazione del corpo, che enfatizza il carattere scultoreo del movimento, richiede molta concentrazione e un lungo allenamento. D’altra parte, sono anche interessato a quel potenziale rivoluzionario che risiede nei fianchi: scuotendosi e ruotando, possono significare cambiamento e spostarsi in modo imprevedibile. In “Storm”, lavoro anche – come nella maggior parte delle mie performance – con la figura della rotazione. I fianchi ondeggianti, mentre ruotano, creano una grande forza centrifuga che può far perdere il ritmo e raddrizzare il danzatore. Anche questo elemento di caos e dislocazione dell’immagine mi interessa.

D: L’opera si distingue per la sua calcolata precisione e la sua tensione scultorea. Puoi descrivere il processo coreografico con cui hai sviluppato queste qualità in “Storm”?

Da tempo mi interesso a come la tensione e il rilassamento del corpo possano alternarsi. La natura scultorea di questa performance si basa sulla tensione del corpo, sul tenere la posizione un po’ troppo a lungo per poi lasciar andare, traboccare e sfumare. Anche questo è un riferimento alla mia formazione di danza piuttosto variegata: credo di aver dedicato tanto tempo a guardarmi allo specchio, praticando i passi base della rumba, quanto a rilassare i muscoli e “buttare fuori le ossa” durante i corsi di tecniche di rilascio all’università. Il tema della precisione e della tensione è anche strettamente legato al mio rapporto con la musica composta da Agnė Matulevičiūtė. Il paesaggio sonoro è molto ricco, a volte dinamico ed energico, altre volte rallentato e disteso, come se si stesse ascoltando la colonna sonora di un film di cento anni fa. Quando mi esibisco, mi do una serie di compiti che implicano l’abbandono all’atmosfera della musica e, altre volte, il lavoro contro di essa, anticipando gli eventi fonici, per così dire, o facendo loro eco.

D: In che modo il tuo coinvolgimento con la memoria del corpo e con l’auto-riflessione ha plasmato il vocabolario dei movimenti del pezzo?

P: Quando ho capito che volevo lavorare con i fianchi, ho attinto prima di tutto alla mia memoria corporea. Ho ripercorso tutte le figure e le sequenze di movimento che avevo praticato per anni. Le ho rallentate, le ho ruotate e le ho trasportate da una posizione verticale al pavimento. Ho a lungo fatto pratica davanti allo specchio, cosa insolita per il mio abitudinario processo di prova. Ho danzato sul posto, poi ho pensato a come lasciare il movimento dei fianchi liberarsi per la stanza. Ho volteggiato velocemente, portando i fianchi in diverse direzioni, perdendo spesso l’equilibrio. Mi sono chiesto cosa mi attraesse dei fianchi delle persone che osservavo nei locali o per strada. Come mi accade spesso, ho generato troppo materiale di movimento, che ho poi regolarmente rimosso e riposizionato.

D: Qual è stato il ruolo del design delle luci e dello spazio performativo nel plasmare l’atmosfera di “Storm”? Palazzo Contarini Polignac è ​​uno splendido esempio dello stile di transizione del primo Rinascimento, che fonde motivi gotici, bizantini e toscani: incarna l’intera epoca, come fosse un performer di quell’epoca in città. Sembra essere lo spazio perfetto per incorniciare la tua performance.

P: Sono davvero entusiasta della performance a Palazzo Contarini Polignac a Venezia, che è solo la seconda presentazione pubblica di “Storm”. L’interno del palazzo rinascimentale è lo sfondo perfetto per una danza che guarda al passato e che, a mio parere, è molto nostalgica. Sono particolarmente curioso di vedere come questo lavoro risuonerà nel contesto dell’evento organizzato da Arts Territory: “Memories of Water, Memories of Air” (trad. “Ricordi d’acqua, ricordi d’aria”). La mia coreografia è fluida e in continua evoluzione; il movimento dei miei fianchi si trasforma costantemente, fluttuando su e giù. Le luci originali, progettate da Julius Kuršys, ricordano i riflettori di un tempo e fondono la luce naturale con quella artificiale, riuscendo a simulando la luce proveniente da dietro la finestra. Questo lavoro è flessibile; può essere presentato in spazi diversi, non necessariamente storici. Lo svilupperò a Varsavia all’inizio del prossimo anno: la prima polacca di “Storm” si terrà nel nuovo e attesissimo Padiglione della Danza, una nuova sede distaccata del Museo d’Arte Moderna di Varsavia. Quindi, gli spazi sono e saranno diversi, ma sicuramente manterrò l’allestimento della galleria, con il pubblico tutto intorno. In questo modo, il mio compito sarà quello di attivare l’intera sala e le diverse storie scritte nel mio corpo.

D: I tuoi lavori precedenti spesso affrontano la storia della danza e le questioni dell’appropriazione culturale. “Storm” prosegue questa linea di indagine oppure segna un punto di svolta? Se sì, in che modo?

P: In effetti, la danza stessa è uno dei temi principali del mio lavoro. “Storm” attinge ancora una volta alla storia della danza, in particolare alla mia personale. Il lavoro dei fianchi, che risalga al periodo in cui mi sono concentrato sulla danza sportiva latinoamericana oppure alla mia successiva formazione nello spirito della danza contemporanea, è qui al centro dell’esplorazione. In un certo senso, rendo queer le immagini più comuni del vecchio cinema, le sculture in continua torsione e l’estetica kitsch della danza sportiva stessa.

D: Dopo aver eseguito “Storm” in luoghi e contesti diversi, la tua percezione o interpretazione dell’opera è cambiata?

P: “Storm” è un lavoro completamente nuovo che, dopo Venezia, torna a Vilnius e Varsavia e sarà presentato in diverse sedi in Europa il prossimo anno. Sono curioso di vedere come verrà accolto nel contesto dei miei precedenti lavori personali. “Storm”, sebbene non sia intenso come “Jumpcore” – probabilmente la mia performance più popolare sul salto – in termini di materiale coreografico, è senza dubbio l’opera più personale. Mi chiedo anche come i temi della seduzione – che ho esplorato su altri corpi nei miei precedenti lavori teatrali più ampi – saranno analizzati durante la mia performance.

D: Nell’attuale periodo di saturazione di immagini fisse e in movimento, cosa pensi del potere politico della performance e della valenza politica dello spettatore?

P: Credo che oggi una performance che permetta alle cose di durare e trasformarsi possa autodifendersi. Paradossalmente, vivendo in un mondo saturo di immagini e del loro rapido montaggio, la performance dal vivo partecipata da vicino può offrire un certo senso di sollievo. In quest’opera, mi avvalgo anche del looping e della rielaborazione di motivi apparsi cinque o quindici minuti prima. Questo permette all’occhio di affinare e notare i dettagli, di vedere una nuova forma di qualcosa che teoricamente è già noto. 

Informazioni:

Paweł Sakowicz è coreografo e ballerino. È particolarmente interessato alla storia della danza e alle questioni dell’appropriazione culturale nella coreografia. Tra le opere di Paweł figurano: “Jumpcore” (Zachęta – Galleria Nazionale d’Arte), “Masakra” (Nowy Teatr di Varsavia), “Amando” (Museo Nazionale di Varsavia), “Vortex” (Istituto Teatrale di Varsavia), “Imperial” (Teatro Komuna di Varsavia), “Fatamorgana” (Studio Hrdinu di Praga), “Boa” (Vecchio Teatro Nazionale di Cracovia) e “Laguna” (TR di Varsavia). Il suo lavoro è stato esposto, tra gli altri, in tre edizioni della Piattaforma Polacca della Danza, al Festival della Divina Commedia, al Santarcangelo Festival, allo Spektakel del Teatro di Zurigo (Zürcher Theater Spektakel), al Sirenos Festival, al Warsaw Gallery Weekend, alla Biennale di danza del Val-de-Marne, al Muzeum Susch, alla Kunsthaus di Amburgo, al Tramway di Glasgow, al CAC di New Orleans, al NYU Skirball e alla Bohemian National Hall di New York. Collabora regolarmente con Anka Herbut, Anna Smolar e Łukasz Twarkowski.

Denis Maksimov è curatore, critico e insegnante. È curatore d’arte e programmi alla Pushkin House di Londra, docente presso l’Institute of Contemporary Art di Mosca e fondatore del Lecture Performance Archive e dell’Avenir Institute di Atene. Scrive di arte, politica e cultura in generale; i suoi testi sono stati pubblicati su Notes on Art in a Global Context del MoMA, Ocula, Obieg, Conceptual Fine Arts, Doppiozero International, Moscow Art Magazine, Arts of the Working Class, A*Desk e altre riviste. Edward Elgar Publishing darà alle stampe il suo ultimo libro, “Art, Heritage and Performative Politics”, alla fine del 2025. I suoi scritti sono stati tradotti in più di dodici lingue.

Il progetto “Storm” di Paweł Sakowicz fa parte del programma “Memories of Water, Memories of Air”
27-28 giugno 2025
Palazzo Contarini Polignac a Venezia
Organizzato da: Fondazione Ditto, Arts Territory,
Con il supporto di: Palazzo Contarini Polignac, Fondazione Voelkel, Istituto Polacco di Roma.

Questo progetto è cofinanziato dal Ministero della Cultura e del Patrimonio Nazionale della Repubblica di Polonia, attraverso il Fondo per la Promozione della Cultura. Evento culturale della Presidenza Polacca del Consiglio Europeo 2025.

Crediti completi per le immagini:
Fotografato da: Vismante Ruzgaite
Coreografia e performance: Paweł Sakowicz,
Musica: Agnė Matulevičiūtė,
Luci: Julius Kuršys,
Costumi: Elena Marija Veleckaitė,
Produzione: Sapieha Palace, Vilnius,
Coproduzione: Pavilion of Dance, Varsavia,
Partner: Istituto Polacco di Vilnius

Sapieha Palace ha prodotto la performance e fa parte della mostra “Breaking the Joints”, co-organizzata dall’Istituto Adam Mickiewicz nell’ambito del programma culturale internazionale della Presidenza Polacca del Consiglio Europeo 2025.