(A)typical Nature. La mostra di ISIA Faenza   Dal 12 al 20 luglio, il Palazzo del Podestà di Faenza ospita (A)typical Nature, la grande mostra immersiva, curata e organizzata da ISIA Faenza a conclusione dell’anno accademico 2024-25. L’esposizione propone un modello aperto, contaminato e visibile di quanto accade a livello

Sabine Delafon / Sea of Millions. Il blu come promessa di felicità Il viaggio di Sabine Delafon comincia da una stella. Una piccola stella blu, lasciata in giro per il mondo, come segno di passaggio. Oggi quella stella è diventata universo: Sea of Millions è il suo nuovo ciclo di opere, dove il blu oceanico diventa presenza totale, colore che avvolge, attraversa, abita. In mostra, grandi tele monocrome e cartoline dipinte raccontano un’idea di abbondanza e desiderio, in cui il mare non è solo spazio naturale, ma energia diffusa, motore di felicità collettiva. Ogni opera è un frammento di questo grande respiro cromatico, che accoglie lo spettatore in un’esperienza quasi meditativa. Il mare di Delafon è luce, viaggio, emozione pura. Graziano Folata / Cantico dei Fondali. Un mondo che ha perso il suo oceano Graziano Folata, al contrario, parte dal silenzio. In Cantico dei Fondali, il mare non c’è più. O forse non c’è mai stato. Rimangono solo forme residuali, presenze mineralizzate, eco di un diluvio ormai compiuto. Le sue sculture – ippocampi in bronzo fusi a cera persa, conchiglie corrose, ricci di mare privati del loro corpo – popolano uno spazio che richiama tanto i fondali quanto le grotte terrestri. Le immagini stampate dai negativi amplificano l’ambiguità: è terra o è cera? è caverna o è abisso? Folata costruisce un mondo parallelo, senza tempo e senza mare, in cui la materia sembra trattenere il ricordo di un evento irrimediabile. Le sue opere non spiegano, ma sospendono. Offrono un’idea poetica di rovina e rinascita, come se il paesaggio stesso fosse in attesa di una nuova forma. Benedetta Panisson / Sea Storm (Draft). Sessualità marine e archivi sommersi Il mare di Benedetta Panisson è scomodo. Non tanto per la forma, quanto per ciò che costringe a guardare. In Sea Storm (Draft), l’artista veneziana presenta una ricerca visiva e accademica su immagini storiche di sessualità tra animali marini, a lungo archiviate come aberrazioni. Un video del 1993 mostra due polpi maschi di specie diverse in un atto sessuale. Una fotografia del 1911 ritrae due pinguini in Antartide, considerati all’epoca “sessualmente deviati”. Materiali rimossi, che Panisson riattiva con precisione e sensibilità, per riflettere su come il nostro sguardo costruisca le narrazioni del naturale. Sea Storm è solo una bozza, come indica il sottotitolo. Ma è una bozza che già scuote e smonta il modello museale tradizionale, fatto di diorami fermi nel tempo, incapaci di raccontare la complessità del vivente. La tempesta, dice Panisson, è negli occhi di chi guarda. E riguarda anche noi. Cosa ci restituisce il mare, oggi? Non onde, non conchiglie. Ma risonanze interiori, immagini archetipiche, contraddizioni profonde. Nelle tre mostre, il mare è allo stesso tempo inizio e fine, spazio e specchio, madre e vuoto. È il luogo dove tutto ha avuto origine, e quello dove tutto potrebbe dissolversi. Casa degli Artisti diventa così una camera di risonanza liquida, dove tre artisti – attraverso percorsi diversi – ci invitano a perdere l’equilibrio, ad accettare la deriva, ad ascoltare l’abisso. Forse è proprio lì, in quel disorientamento, che possiamo ancora trovare qualcosa di vero. O almeno, qualcosa che ci somiglia.

Ciò che affeziona disturba. Da questa prospettiva nascono interventi delicati che forzano i linguaggi dell’amore, della cura e del ricordo. La mostra prende forma come una relazione a distanza con la comunità di Toast. Presenze umane e non umane – cani inclusi. Il senso del luogo e della compagnia si fa incerto. Personale costruita attorno a due lavori inediti che si misurano con l’identità e la storia espositiva dello spazio. Cecilia Mentasti (Varese, 1993) è un’artista visiva e art-worker. Ha studiato pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera e si è formata come registrar. Ha co-fondato l’artist-run space BRACE BRACE. Per Anonima Kunsthalle ha realizzato Varese, una ricerca sulla forza politica della periferia. Vive tra Cagno (CO) e Milano. We are disturbed by what we love. From this perspective, gentle interventions emerge. The languages of love, care, and memory are stretched. The exhibition unfolds as a long-distance relationship with the Toast community, encompassing both human and non-human presences, dogs included. In this context, the sense of place and companionship becomes ambiguous. The solo show features two new works that engage with the identity and exhibition history of the space. Cecilia Mentasti (Varese, 1993) is a visual artist and art-worker. She studied painting at the Brera Academy of Fine Arts and trained as a registrar. She is co-founder of the artist-run space BRACE BRACE. For Anonima Kunsthalle, she developed Varese, a research project on the political force of the periphery. She lives between Cagno (CO) and Milan.

Dal 13 luglio al 21 settembre 2025 Casa Sponge ospita Oltre l’ultimo cielo, la prima tappa di un progetto articolato che si svilupperà nel tempo. Si comincia con una mostra collettiva che coinvolge 9 artisti + 1 – Nobuyoshi Araki, Mario Consiglio, Antonello Ghezzi, Stefania Galegati, Giovanni Gaggia, Davide Mancini Zanchi, Gedske Ramløv, Michele Alberto Sereni, Grazia Toderi e Massimo Uberti – chiamati a confrontarsi con il concetto di confine, oggi sempre più segnato da separazioni fisiche, culturali e simboliche.

La mostra propone una significativa selezione di opere realizzate tra il 1975 e il 1996 da Dadamaino (pseudonimo di Edoarda Emilia Maino, 1930–2004), figura centrale dell’arte visiva del Novecento italiano e internazionale. Provenienti in gran parte dall’Archivio Dadamaino, le opere in mostra includono anche alcuni lavori inediti in ceramica realizzati a Matera negli anni Settanta, presso la bottega del maestro ceramista Giuseppe Mitarotonda.

Ultimi giorni per visitare la mostra “CHE GUEVARA tú y todos”   Si avvia alla conclusione la straordinaria mostra CHE GUEVARA tú y todos, che in questi tre mesi di apertura ha registrato numeri di grande rilievo, confermando l’interesse e l’attenzione di pubblico italiano ed internazionale. L’esposizione, in corso ancora

La mostra, promossa con il patrocinio del Comune di Perugia, si compone di oltre trenta opere dando vita ad un cortocircuito visivo e concettuale tra la pittura grottesca, onirica e satirica di Ventura e la monumentalità austera della Sala dei Cannoni della Rocca Paolina, simbolo papale in città, spazio carico di memoria e tensione, come il rapporto dello stesso Ventura nei confronti della Chiesa tra fascinazione e dissenso.

Il progetto, promosso da Parrocchia Santa Maria assunta di Soncino, nasce dal desiderio di restituire nuova vita e centralità ai luoghi sacri del borgo attraverso il linguaggio universale dell’arte, invitando a un’esperienza intima, spirituale e percettiva.La mostra si articola in due sedi: il Museo delle Campane, di recente restauro, e la Chiesa di San Pietro Apostolo, entrambe nel cuore del centro storico. Le opere dialogano con questi spazi carichi di storia e spiritualità, offrendo un’esperienza immersiva, in cui la forma diventa veicolo di riflessione e ascolto

The performance Mangiare in testa reflects on significant contemporary themes, staging a system in which the lack of communication between consumers, producers, and cultural standards results in both ecological failure and a deterioration of physical and psychological well-being. The title itself contributes semantically to this narrative. “Mangiare in testa” (eating over someone’s head) in Italian is used to describe a power dynamic, in this case, representing society’s participation in a consumerist vortex that excludes or omits queer existence. Within this context, the only option is to sweep everything away and seek a new balance that eradicates and deactivates, once and for all, both differences and privileges. Moreover, until June 29, the venue will be open to visitors and will host a selection of wall-mounted works and a video piece created by the artists. The exhibition runs in parallel with Opentour, an event promoted by the Academy of Fine Arts of Bologna and spread throughout the city, embracing the mission of providing emerging artists with opportunities to showcase their work.

Matteo Costanzo (Roma, 1985) torna al Tomav di Moresco – del 2022 e’ la sua personale “Nessuno e’ padre ad un altro” a cura di L. Madaro – con un progetto rimodulato e implementato ad hoc per gli spazi della torre. La mostra dal titolo “American Drumpf” a cura di Barbara Caterbetti – lavoro gia’ presentato, ma nella versione piu’ “compressa”, come evento collaterale della fiera PaviArt 2025 – dara’ vita con sticker_painting, video loop, installazioni ad una sorta di incursione corsara tra le icone e i simboli americani colpiti da una crisi così profonda da rimettere in discussione i nostri modelli di vita, di progresso e di democrazia. In questo periodo di forte inquietudine l’arte, per Costanzo, può essere il campo di battaglia per riflettere su nuove possibili direzioni che apportino quei radicali cambiamenti in grado di minare uno status quo al tramonto.