Perché scrivere di arte

di Maria Vittoria Pinotti

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È probabile che si venga sfiorati da un immediato coinvolgimento quando leggiamo parole sull’arte, perché oltre a essere condotti negli occhi di chi ha osservato, siamo spinti a pensare cosa abbia colto e abbracciato la sua memoria e il suo pensiero. Perciò la scrittura, soprattutto quella dedicata all’arte, è diversa da ogni tipo di altra traccia autoriale, in quanto possiede la possibilità di donarci un punto di vista e una interpretazione di senso rispetto a qualcosa che è rimasto ed è stato consegnato per sempre alla parola. Quindi, “perché scrivere di arte oggi” è un quesito necessario ad affrontare non solo questioni relative allo stato della critica d’arte attuale, ma intende anche svelare come ogni tempo abbia occhi diversi nell’osservare un’opera. Per questo motivo credo sia necessario iniziare la raccolta di scritti di Controcorrente con i disegni del pittore Giulio Catelli (1982, Roma), assieme alla domanda che dà titolo a questo primo testo e che probabilmente potrebbe rimanere irrisolta nel corso delle prossime pubblicazioni, fino a trasformarsi in modo inatteso.

È certo che sia di notevole importanza osservare chi nel passato abbia analizzato l’arte con sguardo critico e storico, ponendo le basi della storiografia artistica, per consentirci di mettere in luce la contemporaneità dei diversi modelli storiografici, le loro reciproche contaminazioni e anche le scelte in controtendenza. Ed è proprio questo percorso a permetterci di comprendere come si muova oggi la scrittura critica. In particolare è stato lo studio di tali metodi operativi ad aver trasmesso uno specifico sentimento di appartenenza, che ancora oggi caratterizza la disciplina e le proposte di cambiamento che ne derivano. Sicuramente, giudicare gli artisti e i loro lavori con sguardo d’indagine è un processo di conoscenza e paziente raccolta di saperi, non solo rispetto alle metodologie adottate dalla critica precedente, ma anche verso i documenti d’archivio e il loro ordine di ricerca. Comune alla scrittura dedicata all’arte è sicuramente l’urgenza di penetrare lo spirito delle opere, studiandone lo stile, la struttura e le assonanze, superando le frontiere disciplinari e sostenendo la confluenza di saperi diversi, analizzando i contesti di nascita per indagarne l’intero impianto creativo. In questo modo la questione iniziale trova spazio in una ulteriore domanda: come scrivere di arte, se non convertendo la scrittura in una pratica di conoscenza e interpretazione, evitando un semplice approccio documentale? Per orientare la scrittura verso una forma pura di ispirazione, occorre considerare ogni parola non solo come portatrice di senso e conoscenza, ma anche come uno strumento capace di rivelare e, perché no, suscitare turbamenti.

Tutto ciò avviene con l’uso di un linguaggio aperto verso l’assidua ricerca di quesiti, che si sommuovono e intrecciano di fronte all’insospettata profondità della realtà. Così se l’esperienza speculativa rivela una funzione catartica e liberatoria, allora anche la scrittura dovrà esserlo, ingenerando poetiche levità, prive in ogni modo di pesantezze, per lavorare verso un ritorno alla vera natura della parola semplice e pura, in quanto nutrimento dell’anima. Pertanto se l’arte contemporanea di oggi è un fenomeno creativo che sorge e si perpetua, tanto più lo si deve comprendere attraverso una dimensione complessiva. Per questi motivi è opportuno che la ricerca dell’artista venga esplorata, studiata e rivelata attraverso un metodo di stesura che deve mantenere il controllo della chiarezza espositiva, senza necessariamente piegarsi a una lettura rassicurante dell’opera. Secondo questi propositi, non si deve scrivere per esporre la propria autorevolezza di pensiero, bensì per raccontarne con verità una variante.

Nella dimensione operativa, il lavoro di scrittura presuppone una acuta e sensibile chiarezza del lessico, in cui è fondamentale sapere cosa si vuole dire. Alla pari di uno strumento in contatto con le cose più mute e profonde dell’arte, il linguaggio si mostra come una superficie liscia e continua, dove ogni punto emerge distinto dagli altri, come se fosse la cosa più semplice, comprensiva e intuitiva che possa esistere. Quindi in Controcorrente la scrittura deve essere il frutto di un legame sincero intessuto con l’artista, lo spazio da lui vissuto e l’opera, tanto da rimanere sovrana e scevra da qualunque conoscenza che la uniformi. A questo punto è opportuno interrogarsi se questa forma di stesura nasca dall’intento di preservare e tutelare l’opera, oppure se, nella prospettiva di una maggiore sensibilizzazione del pubblico, implichi anche la necessità di raccontarne le imperfezioni e le incertezze. Ecco, questo è l’aspetto più sensibile della scrittura critica, la quale, nascendo da un rapporto profondo con l’artista, ed essendo strumento di verità d’indagine, rende indispensabile sviluppare analisi senza compromessi, sondando anche i fattori apparentemente meno significativi. Eppure oggi, a parte sporadici casi, la scrittura critica manca di quella possibilità di combattere il diffuso cinismo, l’arrivismo e il paralizzante senso di vuoto che ci conduce con coraggio a reinventarci. Chi osa vola, così chi non prova non ottiene, così il critico, allo stesso modo dell’artista, deve essere conscio che in realtà fare il proprio lavoro equivale a ideare e scrivere un manuale di volo, uno strumento che permetta all’opera di prendere vita e di dare libero impulso alle infinite possibilità interpretative.

Leggere, guardare, considerare i dubbi come stimoli di riflessioni, sono tutte azioni che inducono a vedere le opere attraverso un punto di vista rallentato e speculativo allo stesso tempo. Ecco, la scrittura è una battuta di arresto, un momento di profonda riflessione intesa a rivelare cosa catturi il nostro sguardo, quanta concentrazione poniamo nell’osservare e quali narrazioni ne traiamo. Ebbene per questo motivo ho scelto di accompagnare questa prima pubblicazione con le opere di Giulio Catelli, perché, proprio come saranno gli scritti in Controcorrente, il suo approccio alla pittura è figlio di un’espressività forte e sincera. In tal modo tutti gli interrogativi posti in questo primo scritto intendono ragionare su come la scrittura dedicata all’arte venga accolta nel nostro intimo per essere vissuta, esperita e conservata in memoria. Così alla domanda perché scrivere di arte? le risposte potrebbero essere diverse: si scrive per costruire relazioni e saldi legami, per rubare tempo alla realtà, per trasgredire le convenzioni, per realizzare desideri, per combattere ogni sensibilità all’indifferenza e sicuramente per abbandonare ogni soluzione rassicurante. 

Maria Vittoria Pinotti

Editato da Marianna Reggiani